Quand et comment les femmes sont-elles apparues dans l’art ? Très précocement, si l’on envisage leur présence en tant que motif artistique, nettement plus tard, si on parle de créatrices. Sujet central dans la recherche actuelle, la réévaluation des femmes dans l’art a permis de faire réémerger des centaines de noms, mais aussi de bousculer un certain nombre d’idées reçues sur la place des femmes artistes, du Moyen Age à nos jour.
Ce cycle s’intéressera à la représentation des femmes dans l’art, puis envisagera les femmes artistes, avant de clore le panorama sur quelques grandes figures de commanditaires et galeristes.

Vendredi 16, 23, 30 janvier 2026 / 6, 13 février (11h30-13h)
1 rue du Guesclin (quartier Kervégan) locaux Baya, 3e étage

On évoque souvent la Renaissance, comme si il y avait eu, à Florence, au début du XVe siècle, une brusque et soudaine floraison artistique, surgie de la tête et des mains de quelques démiurges géniaux. Comme tous les grands mouvements de l’histoire des arts, la Renaissance a été le fait de plusieurs générations successives d’artistes, peintres et sculpteurs, qui ont progressivement assoupli un art longtemps marqué par de strictes conventions. Ce cycle propose d’explorer les prémices de la Renaissance, mais aussi d’élargir l’étude à un grand nombre de cités et de cours italiennes, moins célèbres que Florence sans doute, mais ayant été néanmoins des protagonistes majeurs de ce grand mouvement artistique.

Vendredi 16, 23, 30 janv / 6, 13 février (9h30-11h)
Pas de prérequis
1 rue du Guesclin (Kervégan, locaux Baya, 3e étage)

A l’origine d’un nombre incalculables d’images, il y a des textes. En ce qui concerne, la mythologie, ces textes fondamentaux sont au nombre de trois, qui ont nourri des générations d’artistes, du VIe siècle avant notre ère jusqu’à aujourd’hui : L’Iliade, L’Odyssée et Les Métamorphoses d’Ovide.
Ce cycle propose d’identifier et de reconnaître les illustrations, en rapprochant textes et images par la  lecture préalable d’extraits (fournis à l’inscription) que l’on confrontera avec des tableaux, des statues et des céramiques, de l’Antiquité à nos jours.

Lundi 5, 12, 19, 26 janvier / 2, 9 février (9h30-11h)
Pas de prérequis
1 rue du Guesclin (quartier Kervégan) locaux Baya, 3e étage

Faites plaisir aux passionnés d’art – et à ceux qui ne le sont pas encore.

Pour Noël, pensez aux cartes-cadeaux Calliopé : offrez des cours d’histoire de l’art, des séances de travaux dirigés au Musée d’arts ou des visites guidées d’exposition au musée d’Arts de Nantes.

Valables pour une personne, les cartes-cadeaux Calliopé ont une validité d’un an. Ils sont utilisables à tout moment de l’année, sur réservation préalable.

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Théorisée et codifiée au XVIIe siècle par André Félibien, la hiérarchie des genres classe les sujets picturaux du plus noble au moins noble. Au sommet, la peinture d’histoire est celui qui condense toutes les difficultés des genres subordonnés, mais surtout celui qui ouvre l’accès au professorat au sein de l’Académie royale. Après la Révolution, l’affaiblissement de cette structuration des arts n’entraîne pas pour autant une totale remise en question. La séance s’intéressera aux mutations de ce genre et à l’histoire de son évolution.

Que ce soit celui de l’homme ou celui de la femme, le corps est un sujet omniprésent en peinture. Nu ou habillé, souffrant ou voluptueux, misérable ou glorieux, le corps érotisé suggère des sens très différents selon l’époque et le contexte. L’examen de quelques tableaux permettra d’évaluer plusieurs significations, et de comprendre que la nudité n’a pas toujours eu le même sens.

Avant le XIXe siècle, aucune œuvre d’art n’était pensée et réalisée pour un musée. Et pourtant, toutes celles que nous admirons aujourd’hui sont accrochées sur des murs blancs, régulièrement espacées et éclairées avec soin. C’est tout l’art de la muséographie que de réfléchir à la présentation et à la mise en scène des œuvres dans un musée.
Quels sont les enjeux de cette jeune science, ses contraintes et ses limites ? Cette séance Devant les œuvres propose cette fois de regarder, non pas les œuvres, mais les murs et l’espace autour, pour s’intéresser à la façon… dont on voit les oeuvres.

Après la séance consacrée en 2024 au rez-de-chaussée du musée d’Arts, cette séance arpentera le premier étage du musée (pas de prérequis) 

A partir du XVIe siècle, la peinture religieuse ménage une place à un genre nouveau : les scènes mythologiques. Tirée essentiellement des Métamorphoses d’Ovide, mais également d’autres sources littéraires, cette peinture, plus légère et plus sensuelle, remet l’Antiquité à l’honneur par le biais du mythe. Sont ainsi illustrés les amours des dieux, les poursuites de nymphes, les travaux héroïques d’Hercule ou de Thésée, mais aussi les protagonistes de La Jérusalem délivrée, ou de La Divine comédie.

Premier sujet à apparaître dans l’histoire des arts, l’animal traverse les siècles et constitue sans doute la représentation imagée la plus prolifique. De Lascaux à Louise Bourgeois, de Dürer à Oudry, de Vinci à Maurizio Cattelan, l’animal témoigne de sa présence dans toutes les civilisations.
L’iconographie des animaux varie en fonction des époques et des lieux, mais elle doit son omniprésence à sa longue relation à l’homme et à sa forte charge symbolique, entre domestication et violent rejet, effroi et fascination.

A quel moment une couleur apparaît-elle dans l’histoire des arts, et quelle place occupe-t-elle ? Le bleu, qui passe pour la couleur préférée des Français, a-t-il toujours été une couleur valorisée ?
Omniprésente et consensuelle, cette couleur discrète et raisonnable ne fait pas de vagues, et semble mettre tout le monde d’accord. Mais cela n’a pas toujours été le cas. Apparue tardivement sur la palette des créateurs, nommée plus tardivement encore, la couleur bleue possède une histoire complexe que la séance suivra de tableau en tableau.

Sur une idée de Christiane R.